Rafael acercará a Madrid el enigma de la belleza impoluta

El Prado acogerá, entre el 12 de junio y el 16 de septiembre, una de las exposiciones más importantes con el maestro de Urbino de protagonista

Treinta y siete primaveras de vida, y aún así logró firmar una de las páginas más brillantes de la historia del Arte. Los pinceles del joven nacido en Urbino estaban tocados –desde su precocidad infantil- con una especie de amalgama mágica, que arrancaba profundidad de llanto amargo, sabiduría humana y perfección hiriente, en cuanto su herramienta profesional descargaba su sinfonía compositiva sobre los fondos neutros de las telas y los muros estucados. Misterioso y sublime, inalcanzable y excelso; así se puede catalogar al autor de La escuela de Atenas y a sus fantasías de pelo y espátula, escenas de oro e incienso que -pese al tiempo transcurrido- siempre preservan a flor de pigmento la novedad de lo inmanente. Una ópera de arias cromáticas y sfumatos seminales que sin duda entonará su coro de admiración, en la exposición que el Museo del Prado tiene previsto dedicar al maestro renacentista; cita imprescindible que se prolongará desde el próximo 12 de junio hasta el 16 de septiembre en la pinacoteca capitalina.

La muestra se centra en los últimos siete años de vida del pintor

El último Rafael, nombre con el que ha sido bautizada la muestra, presentará por primera vez –y en colaboración con el Museo del Louvre- uno de los conjuntos más importantes en la producción de Rafael Sanzio (Urbino, 1483- Roma, 1520) y del taller que él mismo comandaba; y cuyos discípulos más influyentes fueron Giulio Romano y Giovanni Francesco Penni.

Pese a su juventud, Rafael logró posicionarse a la altura de Miguel Ángel y Leonardo

Amparada por el excelente edificio de Villanueva (en sus salas A y B) y el remodelado claustro de Los Jerónimos (sala 49), las más de setenta creaciones del genial pintor y arquitecto dialogarán, en plena canícula veraniega, con los visitantes que se acerquen a su teatrillo, de trazos enérgicos y devoción por la elegancia en el gesto y el semblante.

La perfección formal era la seña de identidad del creador renacentista

Durante la denominada etapa romana (posterior a épocas en Umbría y Florencia), el maestro transalpino dedicó sus días y noches a inmortalizar su talento a través de sus charlas directas con la divinidad; abriendo las puertas celestiales a través de las Estancias Vaticanas que Julio II y León X le encargaron engalanar. Allí, el joven virtuoso de las formas y el dibujo pudo compartir escenario con otro de los popes de la plasticidad de todos los tiempos: Miguel Ángel Buonarotti. Dicen las crónicas que la rivalidad entre ambos era más que evidente, pero entre los dos se estableció una delicada influencia de contorsiones y versatilidad anatómica, que hizo emerger -de las profundidades de unas manos prodigiosas- parte de los testimonios más sinceros e inquebrantables en la vulnerable belleza de la historia de la pintura.

A los 25 aniversarios fue contratado por Julio II para decorar algunas estancias del Vaticano

Vástago de un artista de gama media (Giovanni Santi), Sanzio comenzó a interesarse por el oficio de su padre a muy temprana edad, emborrachado desde casi su primer llanto por la sensualidad espolvoreada mediante caballetes esperanzadores. Admirador de Leonardo da Vinci (del que le separaban unos seis lustros generacionalmente), el pequeño autor de la inconmensurable beatitud de Santa Cecilia tomó su aprendizaje de sabios y sorprendentes modelos tutoriales, como Paolo Uccello y Pietro Perugino (respecto a este último hay algunas divergencias sobre la posibilidad de que Rafael se formara en su escuela, siempre siguiendo los comentarios de Giorgio Vassari). De las secuencias sorprendentes desarmadas en los cuadros de maestros semejantes, el de Urbino procuró esculpir su propio estilo. Labor en la que no tuvo excesivas dificultades, ya que pronto se impusieron entre los entendidos sus virtudes de niño prodigio, reproducidas a través de sus excelentes autorretratos y dibujos. Unos bocetos de papel y carboncillo en los que la exquisitez de sus trazos, las líneas constantemente retadoras, los rasgos hermanados con la senda paradisiaca de tridimensionales sensaciones y la apariencia ajena a la frialdad de los materiales usados conformaban una riqueza artísticamente sobrenatural, sobre todo para un chico que aún no se había asomado a su faz como hombre adulto.

Llegó a rivalizar generacionalmente con Miguel Ángel por ser el artista más representativo de su época

El hecho de que el escenógrafo de El Parnaso y La disputa del sacramento fuera escogido para dejar su huella en las paredes del Vaticano, cuando solamente contaba veinticinco aniversarios, habla con bastante elocuencia de las dotes del chaval de Urbino: uno de los más grandes representantes del arte occidental, concitador de una senda curricular equiparable en logros a la de Miguel Ángel, Leonardo, Tiziano, Botticelli, Caravaggio…

La exhibición de la pinacoteca madrileña tiene previsto reunir setenta obras del pintor italiano y de su taller

Las cuarenta pinturas y los treinta dibujos que confeccionan El último Rafael llenarán el museo de la Villa y Corte de leyendas sobre amores pasionales (no hay que olvidar que si La Fornarina no se hubiera cruzado en el camino del creador, probablemente este hubiera vivido algo más), regalos de oleosas esencias entregados directamente al Supremo Hacedor y relatos de sueños posibles, únicamente transformables con el pulso de alguien bendecido con las visiones de un espíritu en constante estado de euforia pigmentada. Alguien como Rafael Sanzio de Urbino.

Después de la Villa y Corte, “El último Rafael” viajará al Museo del Louvre, en París

Más información, horarios y entradas en http://www.museodelprado.es

Richard Dübell, la respuesta alemana a “Los pilares de la Tierra”

El autor de “La Biblia del Diablo” sigue los pasos de uno de los best sellers más señeros de las últimas décadas

La novela histórica con ribetes de ficción vivió con Ken Follett un periodo de esplendor de corte titánico, que catapultó al mencionado género a las listas de los laberintos temáticos más demandados por las editoriales. Muchos de los que adquirieron el texto del narrador inglés pasaron por alto que, algunas décadas antes, obras magistrales del tipo de Fabiola, Quo Vadis? o Sinuhé El Egipcio ya habían conseguido metas incluso más pletóricas (aunque solamente sea desde el punto de vista de la calidad) que las logradas por el autor de Un mundo sin fin y La clave está en Rebeca. Sin embargo, pocos pueden dudar de la audacia de un señor que, con el motivo de la construcción de una catedral en la Edad Media, concitó frente a una página impresa incluso a los que únicamente leen las revistas del corazón. Repetir semejante entusiasmo novelesco es más que complicado, pero nunca se sabe dónde puede albergarse un pelotazo literario de similar calibre.

Las supresticiones religiosas forman parte del universo literario de Dübell

En busca de esas cuentas millonarias y números estratosféricos, Richard Dübell (Landshut, Alemania, 1962) ha lanzado al mercado el volumen titulado Las puertas de la eternidad (ediciones B): una suerte de puzle en el que, aparte de connotaciones follettianas, se localizan referencias, casi más claras que con Los pilares…, a la saga cátara del también germano Peter Berling (ese individuo de gran bagaje viajero que se metió en el bolsillo a la clientela de los ochenta y parte de los noventa con la serie iniciada a través de Los hijos del Grial).

“Las puertas de la eternidad” narra los intentos de una monja por construir un templo a Dios

Aunque lo ideal para juzgar sería situarse en el contexto escogido por Dübell para su relato, y que los aficionados indaguen sobre las variadas influencias que se esconden tras sus palabras y párrafos. A tal efecto, la historia arranca en el año 1250, en latitudes del centro de Europa. En esa época plagada de supersticiones y hogueras humeantes de carne humana es donde se desarrollan las aventuras del cátaro llamado Roger de Bezeres. El siglo XIII era un tiempo confuso y violento, sobre todo después del fallecimiento de Federico II; ecosistema guerrero en el que el responsable de La Biblia del Diablo también sitúa a la talentosa Elsbeth (una monja cisterciense que desea construir un lugar de culto en medio de la nada).

El útlimo relato del nacido en Landshut también guarda mucha similitud con la saga de Peter Berling

Las vidas de estos dos personajes parecen no tener mucho en común. No obstante, la audacia de Dübell obliga a estos seres de ficción a encontrarse en las boscosas extensiones de Steigerwald, donde ambos coinciden casualmente. Tal acercamiento se produce cuando la religiosa intenta por todos los medios que la Inquisición no haga una pira fallera con su protegida (de nombre Hedwig); acción desesperada que la lleva a recurrir a tres desconocidos, entre los que se halla el citado Roger.

“Una misa por los Medici” es otra de sus obras traducidas al español

Parecidas o no las obras del anglosajón y el centroeurpeo, los críticos han venido en adornar las virtudes de Las puertas de la eternidad como una especie de vástago teutón de Los pilares de la tierra; algo que está facilitando las ventas del volumen, pero que simplifica demasiado los ingredientes de una creación que, debido al background de su diseñador, merecería una calificación más individualizada.

“Capricorn” fue una de sus primeras narraciones

En este sentido, es bueno repasar brevemente el perfil de RD. Pese a estar publicando en los contornos de Goethe desde hace más de un lustro, en España ha sido su relato titulado La Biblia del Diablo el que, hasta el momento, ha cosechado mayor fama entre los fans del género de terror histórico. En esa ocasión, más que un argumento costumbrista y aventurero, era el tema del fin del mundo y el apocalipsis inminente lo que más atraía al escritor germano. No obstante, la trama sobre el niño de ocho años -que sobrevive a una masacre en su aldea de Bohemia en 1572- y de su relación con el maléfico Códice Gigas (testimonio infernal que anhela localizar el monje enloquecido que había asesinado a los padres del muchacho) marcó el devenir de unos acontecimientos que ensimismaron a miles de lectores por todo el planeta.

Su prosa distendida ha ayudado al creador teutón a triunfar más allá de sus fronteras

Ahora, algo más maduro en sus descripciones y con un talante mucho más incisivo en sus diálogos, Dübell se enfrenta a lo que puede significar su confirmación como superventas. Y todo se lo debe a los territorios transitados por revelaciones místicas y a las luchas pretéritas contra las creencias absolutas. Estas herramientas bien pueden valerle un puesto de honor en un Olimpo de ediciones quemadas por la voracidad de las cifras mareantes del consumo masivo.

La actual Feria del Libro de Madrid es el marco perfecto para que los lectores comrpueben las virtudes de “Las puertas de la eternidad”

Más información en http://www.edicionesb.com

Blur, la Olimpiada londinense consigue juntar a la banda de Colchester

Como en 2009, Albarn y sus muchachos ofrecerán una actuación en Hyde Park

Casi no han pasado ni dos décadas desde su nacimiento, y los reyes del Britpop de los noventa ya entonan ecos de retirada. Mientras colegas más lustrosos como The Stone Roses, New Order y The Rolling Stones se niegan a colgar los bártulos, tanto Oasis como la banda comandada por Damon Albarn y Graham Coxon espolvorean incienso de abandono en cuanto tienen ocasión. Sin embargo, no todo está perdido si la formación merece la pena,; y, en cuanto a los autores del críptico álbum titulado 13 (pieza emblemática del desencanto y los paraísos tenebrosos, borrachos de sucedáneos alucinógenos), los otrora chavales de Girls and Boys todavía guardan en su interior mucho repertorio por componer y escenificar. Lo que aún no queda totalmente claro es que sea en unión o por separado.

En 2011 sacaron un vinilo en formato single titulado “Fool’s Day”/ Photo Credits: Blur

Los Juegos Olímpicos de Londres, mediante los conciertos programados en Hyde Park, pueden marcar el principio del fin para el grupo que hizo saltar de rebeldía sinfónica a sus compatriotas, con temas como el eléctrico For Tomorrow. No obstante, similar jugada de divorcio permanente fue lo que muchos de los medios especializados anunciaron a bombo y platillo en 2009, cuando Blur actuó ante miles de enfervorizados seguidores en la citada explanada verdosa de la urbe del Támesis. El próximo 12 de agosto de 2012, el boomerang retorna al terreno de las comparecencias históricas; y lo hace en el mismo lugar. Aunque esta vez Albarn se ha encargado de restar esquelas precipitadas, al no descartar futuros reencuentros junto a los tipos con los que probó las mieles del éxito. Y para corroborar que no hay nada cerrado al respecto, el peculiar líder del cuarteto recuerda, cada vez que tiene ocasión, que en 2011 sacaron a la venta un single en plástico bautizado Fool’s Day (obra de coleccionista que se agotó casi nada más salir al mercado).

Las disensiones entre Albarn y Graham Coxon fueron las causantes de la ruptura del grupo

Tal vez el plan a medio o largo plazo de Damon (voz, teclados y guitarras), Coxon (guitarras y voz), Alex James (bajista) y Dave Rowntree (batería) sea el de ir regalando a sus fans piezas puntuales de su indudable talento comunero; aunque estos súbditos de Isabel II (por nacimiento algunos, y otro por adopción) siempre se han caracterizado por abonarse al despiste curricular. Característica de reinvención continua que ha otorgado a sus discos las virtudes de la frescura y la emoción, signos definitorios de los que adolecen muchos de sus colegas de profesión.

Gorillaz es el proyecto paralelo a Blur más importante de DA

Desde Leisure (su álbum de debut en 1991), los chicos que decidieron probar suerte en las ondas en 1989, en la localidad de Colchester, han coqueteado con influencias varias y heterogéneas que les han llevado por los trillados senderos del post-punk de estilo domesticado, el indie-rock de raigambre metalera, el pop con síntomas de icónica trascendencia, el dance a lo Naranja mecánica  y Trainspotting, la electrónica de inspiración isleña y el góspel de desarraigo grunge.

Llegaron a polarizar la música británica junto con Oasis

Tal amalgama de vaivenes artísticos les situó en la estela de maestros del tronío de The Beatles, The Kinks, XTC o los norteamericanos R.E.M.; y ellos se dejaban piropear, mientras quemaban sus ansias letristas en los hornos de egos que crecían exponencialmente, conforme lo hacían sus respectivas cuentas corrientes.

Sus hits tuvieron repercusión mundial durante más de una década

La bicefalia subterránea comandada por Albarn y Coxon dio para siete álbumes, vestidos con los versos al borde de la confesión coyuntural de unos muchachos que no digerían muy bien el exceso de triunfalismo.  Para el recuerdo quedan el existencialismo romántico de She’s So High, la penumbra asfixiante de There’s No Other Way, los esperanzadores sones de For Tomorrow, la psicodelia colectiva de Chemical World, o los nostálgicos acordes de To The End.

Al lado de su directo en Hyde Park, el grupo también ha confirmado otras actuaciones en Inglaterra

La potencia de las sombras que proyectan Damon Albarn y Graham Coxon quizá sea suficientemente grande como para que ambos se muestren incapaces de trabajar codo con codo como antaño: pretérito jalonado de peleas intestinas entre estos hombres, dos de los mejores exponentes del sonido de UK prendidos de los sueños y anhelos de la denominada Generación X. No obstante, el simple esfuerzo para concitar a sus fieles mediante sus directos demoledores es más que noticiable; aunque solamente se trate de refrescar la lírica ambigua de unos señores que se atrevieron, por ejemplo, a traducir en clave de pentagrama la afilada prosa de Martin Amis (fruto de ese gusto por la literatura de este escritor y por su libro London Fields emergió la hondura temática de los tracks de Parklife).

Albarn no ha descartado que el cuarteto vuelva a grabar algo en unión

Como añadido al macroconcierto en los jardines capitalinos, los amantes de Blur tendrán antes más de una oportunidad para conprobar el estado musical de sus ídolos; ya que el 1 de agosto actuarán en Margate Winter Gardens, el 5 y 6 de agosto lo harán en Wolverhampton Civic Hall, y el 7 del mismo mes en The Plymouth Pavilions (todos ellos en Inglaterra).

A lo largo de su carrera han experimentado con multitud de estilos

Más información en http://www.blur.co.uk

Ariadna Gil verbaliza la vulnerabilidad del silencio en “Viejos tiempos”

La actriz de “Alatriste” es una de las intépretes de la conocida pieza de Harold Pinter

Tres personajes abandonados a su suerte, encerrados en un inmueble crepuscular y derrumbado en sus cimientos hogareños. En esta casa de hielo y fuego, de sangre y arena, es donde se concita una figurada timba existencialista; en la que ninguno de los jugadores lleva una mano ganadora. Mientras, en el mazo de naipes, los comodines están representados por el transcurso del hastío, los arlequines toman la faz de la desilusión y los ases queman su pretendido aliento triunfalista con el contacto del desperdicio de la realidad. Estas aristas deformadas voluntariamente son las que inventó el genial Harold Pinter (Londres, 1930- ídem, 2008), con el fin de diseñar el amargo canto de su obra Old Times: libreto que lanza su ancla de desaliento humano, del 24 de mayo al 15 de julio, en la Sala Pequeña del madrileño Teatro Español.

José Luis García y Emma Suárez acompañan a Gil (a la izquierda) en el montaje de Ricardo Moya/ Photo Credits: Teatro Español

Publicada originalmente en el año 1971, Viejos tiempos es un texto complicado, más por lo que se calla que por lo que dice a través de su discurso desangelado y enérgico. En esos silencios de lápida prematura es donde el dramaturgo capitalino exhibe los diablos del terceto protagonista. Una triada de individuos (un hombre y dos mujeres) que se balancean entre el amor y el odio, la sinrazón y los sueños, la nostalgia y la ansiedad, la ingravidez y la psicosis por reponerse a la pérdida de la juventud añorada.

El texto narra la reunión de dos antiguas amigas, y el marido de una de ellas, después de veinte años sin verse/ Photo Credits: Teatro Español

Los actos que vertebran la pieza del Premio Nobel en 2005 son como cuerdas que sujetan la levedad de los papeles de carne y hueso que ocupan el escenario, seres tangibles que necesitan hacerse daño mutuamente a base de recuerdos, con los que reconocer la parte emocional que habían evitado mostrar durante los últimos veinte años de sus respectivas vidas. Dentro de ese ecosistema de confesiones hirientes y desmitificadoras, Pinter atrinchera sus tesis en la constancia de que los terrícolas se encuentran sumamente confundidos en la selva de la civilización; no pudiendo escapar de sus miedos salvo con falsedades, que enmudecen su rabia conforme caen las hojas del calendario.

La Sala Pequeña del Español acogerá las representaciones desde el 24 de mayo al 15 de julio/ Photo Credits: Teatro Español

Inmersos en ese laboratorio ideado por el dramaturgo londinense; Kate, Deeley y Anna son como marionetas que el autor pone a su antojo frente al público, siempre dispuestas a golpearse a base de palabras, empeñadas en no dejar en el tintero de lo no expresado ni el más nimio de sus sentimientos. Tanto el matrimonio (Kate y Deeley) como la amiga de la esposa a la que reciben tras una larga ausencia (Anna) están determinados a que la cita no se diluya como un azucarillo en una taza de té, sino que se quede en el interior de sus ánimas como una sólida roca de granito, perenne y peligrosa cual espada de Damocles.

Los responsables del proyecto han acondicionado el coliseo madrileño especialmente para este trabajo/ Photo Credits: Teatro Español

El fogueado director e intérprete Ricardo Moya (faceta esta última que ejercita simultáneamente en el Español, con la obra Una luna para los desdichados) localizó entre los diálogos de Viejos tiempos ese líquido de naturaleza perversa que necesitaba representar, ese elemento diferenciador con el que Mr. Harold solía vestir cada uno de sus trabajos creativos. Y por ello no dudó ni un instante ante la posibilidad de encabezar el montaje centrado en la más que notable traducción elaborada por Luis Escobar.

La importancia de los recuerdos pone de manifiesto la debilidad de las relaciones en el libreto del Nobel/ Photo Credits: Teatro Español

Los laberintos sensibles en los que se ve envuelto el limitado reparto fueron como dardos seductores de cara al veterano escenógrafo; una aventura que se hizo especialmente sabrosa con la contratación de los tres actores principales: Ariadna Gil (Kate), José Luis García Pérez (Deeley) y Emma Suárez (Anna). Ellos son los verdaderos imanes que hacen que el texto funcione, y que provoque sensaciones a cada giro trágico (justo como hicieron en el Aldwych Theatre de la urbe del Támesis, en 1971, Colin Blakely, Dorothy Tutin y Vivien Merchant; o Robert Shaw, Rosemary Harris y Mary Ure en Broadway, en el mismo año).

“Viejos tiempos” fue estrenada originalmente hace cuarenta y un años

Debido al tamaño y las expectativas puestas en Old Times, el coliseo madrileño ha prestado su ayuda generosamente para cumplir con las indicaciones de los responsables de la producción. Por este motivo, el equipo técnico no ha reparado en detalles para hacer de cada representación un acontecimiento, capaz de generar la verosimilitud adecuada. Entre esas peticiones demandadas se pueden destacar el acondicionamiento particularizado de la sala, la importación de una moqueta traída expresamente desde Alemania, la utilización de un ciclorama para marcar la nocturnidad o la incorporación de un mueble con ruedas y un espejo manipulador de las perspectivas buscadas.

Peter Hall fue el primer director en llevar la obra a los escenarios

Sin embargo, pese a los pertrechos obligatorios, lo que finalmente queda es la desnudez de intenciones de un escritor irrepetible (Pinter): un pintor de letras sublimes en las que el minimalismo, sin acotaciones rococó entre líneas, descubre la sinceridad de los espíritus que se rebelan contra la impostura y los discursos gratuitos.

El terreno de la sensibilidad humana es en el que mejor se movía el dramaturgo inglés

Más información, horarios y entradas en http://www.teatroespanol.es

Dario Argento explota la vena italiana del conde Drácula

El experimentado cineasta de “El gato de las nueve colas” presenta en Cannes su versión del clásico de Bram Stoker

Los colmillos vampíricos en formato tridimensional bien podrían ser el último reclamo para cualquier clínica dental; ya que, con la imagen en relieve de los incisivos, es mucho más fácil seducir al personal con mensajes relativos a la duración milenaria de una dentadura cuidada con esmero. Pero en la mente de Dario Argento, la cosa parece no ir por la vertiente odontológica; sino que lo que trata este trotamundos de las bobinas nacido en Roma, al aplicar la tecnología de las gafitas cinematográficas a un monstruo tan legendario como el ser derivado de Vlad El Empalador, se explica simplemente en dar con la fórmula más eficaz para actualizar -de cara a las taquillas- la figura de este infernal caballero (creado hace más de una centuria por el irlandés Bram Stoker).

“Dracula 3D” cuenta con Enrique Cerezo como guionista y productor

Tal propósito ha llevado al papá de Asia a transitar de nuevo por los oníricos paisajes, tenebrosos y fantasmales, de unos Cárpatos de orografía transalpina; localizaciones infernales que componen la faz visual de un filme que sigue la andanzas del nosferatu más famoso de la historia (un señor de macabro porte que daría capones hasta en el tupe al chupasangre teen & light protagonizado por Robert Pattinson, en la saga de Crepúsculo). Así, Dracula 3D surge en este siglo XXI con el anhelo de hundir cada uno de sus fotogramas en suculento zumo de tomate frito, todo para asustar a los incautos que pensaban que el hijo de la noche tenía sus días contados en la era de internet.

El alemán Thomas Kretschmann es el actor que encarna al diabólico Vlad

La 65 edición del prestigioso festival de Cannes ha sido el lugar escogido por Argento y su equipo para presentar este largometraje de obvio clasicismo dentro del género del horror, acto de mercadeo sobre la alfombra roja que cumple con el ritual a base de capas oscuras, palidez en el semblante, chicas mordisqueadas en el cuello, criaturas sedientas de hemoglobina, damiselas en apuros de escotes generosos y cazadores de muertos andantes agarrando maletines atestados de cruces, ajos y estacas.

Argento ha modificado notablemente la trama del modelo original

Aunque, el septuagenario realizador italiano (maestro del giallo) no se ha embarcado en un mero remake de la celebrada novela; lo que evita -para bien o para mal- que su obra sea una adaptación más dentro de la amplia nómina de los títulos herederos de las palabras de Stoker  (de la Unviersal, con Bela Lugosi a la cabeza, a la Hammer, con Christopher Lee en plan diabólico, sin olvidar a Gary Oldman en la movie de Coppola). De esta manera, el responsable de la eléctrica Phenomena olvida el componente epistolar del texto decimonónico, para centrarse en un argumento más compacto y de perspectivas unificadas. Bajo estas premisas, el guion comienza su andadura con dos jóvenes residentes en la localidad de Passo Borgo, pareja que se ama en secreto. Un día, ambos quedan para verse a escondidas en el bosque; lo que supone una fatal decisión en el puesto de la chica (Tania), ya que es atacada mortalmente por una sombra. La consternación sume a la aldea en el miedo, justo en el instante en que hace su aparición Jonathan Harker: un bibliotecario (en vez del abogado del libro) contratado por el conde Drácula para clasificar el vasto número de volúmenes impresos que alberga su castillo. Sin embargo, el muchacho también aprovecha la visita para saludar a la mejor amiga de su esposa: Lucy Kisslinger.

En el reparto también colaboran, entre otros, Rutger Hauer, Unax Ugalde y Asia Argento

En ese ambiente algo enrarecido, de miradas atravesadas y cuchicheos hasta en el cuarto de baño, Jonathan es agredido por la supuestamente fallecida Tina (quien sale de su tumba con el fin de encontrar un tentempié humano, con el que calmar los rugidos de su estómago). En la lucha entre la zombie y el londinense, la aparición de Drácula salva al inglés de una más que segura derrota. Alojado en las dependencias del misterioso aristócrata, Jonathan se siente como prisionero de su anfitrión, mientras transcurren las jornadas. El silencio que advierte en su querido bibliotecario provoca que Mina Harker viaje a la aldea, donde se entera de la enfermedad de Lucy por una desconocida dolencia que amenaza incluso su vida.

La película ha sido rodada casi íntegramente en Italia

Los extraños hechos acaecidos hacen que los lugareños avisen a un cazador de vampiros llamado Van Helsing, quien advierte el influjo del conde sobre los habitantes de los contornos. No obstante, lo que no percibe el competente estudioso de los no-muertos es que el interés de Drácula se dirige directamente hacia Mina, en la que observa una especie de reencarnación de su adorada Dolinger (enterrada siglos atrás).

Los cambios sitúan al largo más en la órbita de algunos títulos de la Hammer que en la del libro decimonónico

Estos vértices constitutivos son los que marcan la evolución de la versión de Argento sobre el personaje de Stoker; una empresa audiovisual en la que el filmador capitalino se ha visto favorecido por la confianza del productor español Enrique Cerezo (sí, el mismo que se sienta en semanas alternativas en el Vicente Calderón para disfrutar del juego del Atlético de Madrid). Con la mencionada inyección financiera, el autor de Suspiria (de la que prepara un esperado remake, a cargo de su pupilo David Gordon Green) ha conseguido reunir a un elenco de intérpretes más que resultón, en el que sobresalen los nombres de Rutger Hauer (el replicante de Blade Runner aparece disfrazado de Van Helsing), Asia Argento (a la hija del director le ha caído el rol de la sensual Lucy), Thomas Kretschmann (el internacional actor alemán se mete en la piel macilenta de Drácula), Marta Gastini (como Mina) y Unax Ugalde (como Jonathan Harker).

En el filme no falta la historia de amor sádico entre Drácula y Mina

Por lo que pueda ocurrir, la recomendación pasa por tener a mano el espejo, el crucifijo y una nutrida ristra de ajos. El regreso del nosferatu más famoso de la historia lo requiere. Y encima viene acompañado del 3D…

El creador romano se ha alejado voluntariamente del legado de estrellas como Bela Lugosi

Más información en http://www.dracula3dthemovie.com

Crítica de cine: Sombras tenebrosas

Mitómano y nostálgico, a la vez de gótico y amante confeso del género fantástico, Tim Burton rinde su particular tributo a una de las series que más le marcaron durante la infancia: un producto de vampiros maquillados y afiladas fauces melladas por el atrezo, que comenzó su andadura catódica allá por 1966. Animado por la inquietante atmósfera de ultratumba, con la que los responsables de la obra de la pequeña pantalla asustaron a miles de espectadores durante 594 episodios, el director de Big Fish se mete de lleno en el universo de cartón piedra ideado a finales de la época sesentera, armado simplemente con su extraño sentido del humor y un arcón insondable de escenografía clásica.

Burton traduce con pericia de flautista de Hamelin la trama orquestada en torno a la familia Collins, clan de satánicos influjos cuyo patriarca es un vampiro llamado Barnabas (Johnny Depp); y entre los que se hallan una dictatorial matriarca (Michelle Pfeiffer), un advenedizo heredero masculino (Johnny Lee Miller) y un par de críos definidos por la licantropía y la capacidad para concitar a los muertos. En ese paisaje humano, donde las brumas existenciales son casi tan espectrales como las de las maldiciones que aquejan a la pintoresca familia, es donde Tim despliega sus bártulos, para imponer su estilo desenfadado, deudor de muchos maestros de la claqueta en eso de provocar los gritos de las audiencias.

Como direfencia casual con respecto a su modelo audiovisual, la cinta del filmador estadoundense tiene lugar -a lo largo de su mayor arco secuencial- en el año 1972; aunque lo mejor de la película –por lo menos desde el punto de vista narrativo- está presente en los prolegómenos dieciochescos de la acción, cuando el protagonista era de carne y hueso, sin incisivos crecientes. Con una técnica discursiva y combinatoria entre los textos Perrault y de los hermanos Grimm, el autor de Ed Wood introduce al espectador en el hábitat de Collinwood; un ejercicio que lleva a cabo con pericia de encantador de argumentos, estimulando la parte sensible y emocional –al tiempo que la añoranza pretérita de una infancia de monstruos y hechiceros- de los que han pagado su entrada.

Un listón tan alto, como el ingeniado por Burton para dar las pinceladas iniciales de su filme, habría supuesto un baremo demasiado elevado en otros colegas para mantener el tipo durante el resto del metraje; pero el marido de Helena Bonham Carter consigue salir airoso de la empresa, con su capacidad para exhibir una evolución dramática convenientemente misteriosa y cómica, cínica y proactiva.

En esa hibridación de intenciones es en el terreno en el que crece el enganche de Sombras tenebrosas, como si se tratara de un experimento de laboratorio, cuya distinción viniera más por la dirección artística que por la excesiva utilización de los efectos especiales. Con esta asunción filosófica, el cineasta logra introducir su propuesta en un mundo en el que se siente sumamente a gusto, y donde reside la práctica totalidad de sus gestas curriculares: testimonios en movimiento de claroscuros fantásticos y de storyboards diseñadas contra el cansancio.

Esto se traduce en una apuesta clara y sincera por lustrar el largo a base de las interpretaciones, con un mimo milimétrico y esmerado hacia los papeles principales; lo que hace que los actores brillen con una luz potente desde la primera escena en la que intervienen. En estas tesituras, la francesa Eva Green es la que se lleva la mejor parte, con su magnífica encarnación de la bella y sensual bruja Angelique Bouchard. A su lado, incluso el normalmente locuaz Johnny Depp palidece por momentos, con su caracterización como Barnabas Collins; aunque, pese a las proximidades del abismo, el actor de Piratas de Caribe siempre se salva de la quema absoluta mediante alguna ocurrencia graciosa o un tic de ironía vampírica.

Tras lo expresado, está claro que Tim Burton no ha sometido su talento a la elaboración de un simple remake. Los parámetros creativos en los que se basó Dan Curtis, cuando grabó Dark Shadows, eran notablemente diferentes a los esgrimidos por el último ilustrador de Alicia en el país de las maravillas. No obstante, los tiempos que median entre ambas producciones también han cambiado. En el año en que el serial empezó su andadura, el público percibía a los hijos de Dracula como a tipos de demoniacas connotaciones, y no como a saltimbanquis del verbo. Así, las tramas que protagonizaron de 1966 a 1971 el canadiense Jonathan Frid y la excelente Joan Bennett concitaban al personal para pasar miedo; algo que la movie liderada por Johnny Depp ni siquiera esboza.

Xavier Valls hace hablar a sus objetos en el centro de Madrid

La galería Fernández-Braso presenta una selección de los últimos trabajos del pintor nacido en Horta

La luminosidad del Mediterráneo suele prender el ánima con la fuerza de las algas, la brea y el alquitrán. Sometidos a su influjo, los espíritus se transforman en salubres sustancias; y las retinas toman esencia de crepúsculos cegadores. Algo similar le ocurrió al denominado pintor del silencio, al arquitecto de estancias plasmadas con sencillez minimalista. Un señor de regio porte que se dedicó a hlivanar pinceles emborrachados con colores puros, destilados en el alambique clandestino del clasicismo heredado de maestros del bodegón, como don Francisco de Zurbarán.

La obra del artista español se caracteriza por su expresiva luminosidad

Las imágenes robadas a la realidad soñada (nunca onírica por sus formas fantaseadas o por sus motivos ligados a la imaginería de brujas y ninfas) de Xavier Valls (Horta, Barcelona, 1923- ídem, 2006) reúnen -hasta el próximo 2 de junio- su canto de sugerente lirismo costero, en la galería madrileña Fernández-Brasso (Calle Villanueva, 30). Una celebración de honesto matrimono con la Madre Gaia que tiene especial sentido en el organigrama de exposiciones protagonizadas por el alumno de la Escola Massana (citas que la burocarcia intelectual española retrasó hasta 1982, a pesar de la importante producción del creador catalán en el circuito internacional); ya que la selección propuesta trata de presentar al público las piezas menos conocidas surgidas de su talentosa paleta: un grupo de líneas profundas y de soles encendidos que amartillaron las telas del esposo de Luisangela Galfetti, de 1962 hasta prácticamente su fallecimiento.

Hasta 1982, las autoridades de la tierra de Cervantes no le dedicaron una exhibición

Luz de París (trinomio de palabras con el que se ha bautizado a la muestra) se convierte bajo las premisas descritas en una exhibición que permite desnudar la mirada del visitante, abstraerla de prejuicios anteriores y sumirla en un recorrido extenso por insinuaciones e influencias; dentro de un laberinto de tendencias, donde sobresale la personalidad siempre particular de Valls (como una figura que huyó de los encorsetamientos de las modas y de las irrupciones de vanguardias tentadoras).

Desarrolló la mayor parte de su carrera en Francia/ Photo Credits: Leopoldo Pomés

Cuenta su biografía que el compatriota de Picasso inició su fresco profesional de la mano del suizo Charles Collet, cuyas esculturas remitían a una descomposición del físico casi de Partenón, heridas en las facciones por la egregia utilización de los materiales. Probablemente, en las horas que pasó el entonces joven Xavier al lado de su mentor, este aprendiera la asunción de percibir a los objetos como modelos a los que mimar, y arropar con los oropeles de la sencillez sus contornos de Sancho Panza. Aunque, las experiencias del pintor no se circunscribieron solamente a la influencia de su profesor primerizo; sino que, muy pronto, el amante del bodegón y el paisajismo comenzó a alimentar su hambriento universo con el éxodo necesario a la cumbre de la creación artística en esa época: París.

En sus lienzos hay una cierta reminiscencia de movimientos como el de la Escuela de Vallecas

De esta manera, y después de apuntalar su virtuosismo frente al lienzo en centros como la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, el genio de Horta se trasladó a la urbe del Sena, en 1949 (sólo cuatro años después de que las amplias avenidas de la sede del Louvre se vieran atenazadas por los taconeos violentos de las hordas invasoras de Adolf Hitler). Allí, entre barracones fluviales y bohemios de apasionamiento incandescente, Valls estableció su residencia, habitáculo censado desde el que extendió una red de amistades tan decisivas para su producción plástica como las mantenidas con Giacometti, Clavé, Guillermo de la Torre, María Zambrano y Luis Fernández.

En un momento de su vida, sus bodegones fueron comparados con los de Zurbarán

De todos los colegas de charlas mencionados, el progenitor del recientemente nombrado Ministro del Interior francés (Manuel Valls) por el gobierno de François Hollande extrajo lecciones de caballete y posicionamiento activo; lo que le ayudó a ser fiel a su estilo (algo que mantuvo inalterable hasta el final de sus días en la Tierra).

La sencillez prima en su depurado estilo

Sin embargo, no solamente se dejó aconsejar por los discursos bienintencionados de sus compañeros de anhelos galerísticos. Así, fiel a sus inquietudes -y convencido de que los pilares de un trabajo sólido estaban en la experimentación continua-, el pintor barcelonés se empleó a fondo para aprender los usos y costumbres de las llamadas artes menores. Un ejercicio en busca de la precisión ornamental, que llevó a cabo mediante el estudio de la práctica de la manipulación del vidrio, el diseño de joyas y el fervor decorativo.

Siempre fue fiel a sus convicciones pictóricas

Tales incursiones hicieron de Xavier Valls un experto en conseguir el efecto deseado para cada uno de sus cuadros: escenas de etéreas transparencias y alucinatorias amalgamas, que arrancan destellos de vivacidad a objetos supuestamente inanimados, como si de una alquimia a lo Pinocho se tratara. Transmutado en un Merlín de currículo oleoso, el pintor del silencio otorgó voz y timbre a sus jarras, fruteros y vasos; los cuales propagan ahora, en la Villa y Corte, un diálogo que habla de luces que escaparon de las profundidades mediterráneas.

La figuración siempre estuvo presente en sus obras

Más información y horarios en http://www.galeriafernandez-braso.com

Willie Nelson luce su musculatura de “outlaw country” en el ruedo “mainstream”

El cantante estadounidense edita el CD “Heroes”

Las praderas musicales del Far West no tienen secretos para el timbre somnoliento de este cowboy de mirada lánguida, melena de algodón quirúrgico y guitarra al hombro. Más de cinco décadas de melodías al calor de las extensiones de la tierra de Jesse James alimentan el baúl de viaje de semejante señor: un tipo que ha triunfado como trovador, poeta, activista y actor; y que dispara en este 2012 su última bala en forma de disco. Heroes es el coherente título de la obra, cancionero de 13 piezas en el que el texano desbroza la cadena de sus ancestros sinfónicos.

El veterano autor de “Crazy” diseña un trabajo con trece cortes

Dispuesto desde el primer track a domesticar a un equino llamado música (A Horse Called Music es la primera song), Willie Hugh Nelson (Abott, 1933) se toma este trabajo como una especie de testimonio de su intensa vitalidad; a la par de reivindicar la importancia de un género artístico donde siempre se ha sentido cómodo, con sus punteos casi de trascendencia blues y sus variaciones que no desentonarían en una concentración de rock sesentero. Bajo estas premisas, los cortes del álbum se suceden como confesiones mediadas por las ondas y el reproductor, para mostrar la calidez inconmensurable del septuagenario autor de la célebre Crazy (popularizada, entre otros, por Patsy Cline y Julio Iglesias).

Nelson vuelca en el disco más de cinco décadas de carrera

El arco emocional es amplio y sorprendente en Heroes, y en ese conjunto de notas diseñadas con la sensibilidad de las percepciones hay lugares privilegiados para epitafios reveladores (Roll Me Up And Smoke Me When I Die), metafóricas travesías al Más Allá (No Place To Fly), declaraciones de trance apasionado (Come On Up To The House) o paisajismo costumbrista marca de la casa de un buscador de escenarios eternamente soleados (My Window Faces To The South).

Entre los colaboradores para este nuevo CD se encuentra su colega Kris Kristofferson

Heroes transpira buenas vibraciones desde el inicio, como si Nelson hubiera alcanzado un remanso profesional que suele ser directamente proporcional a las experiencias acumuladas en el universo de la lírica. Y fruto de esa tranquilidad con la que concibe esta nueva estación en su carrera, el prestigioso anfitrión concita en torno a su mesa cosntruida por surcos a un significativo elenco de colaboradores; amigos de carretera entre los que se encuentran Lukas Nelson, Merle Haggard, Snoop Dogg, Kirs Kristofferson, Jamey Johnson, Billy Joe Shaver, Ray Price o Sheryl Crow.

Las letras de “Heroes” no esconden su faceta confesional y autobiográfica

Probablemente, la simple mención de Willie le otorgue una aparente exclusividad en los campos marginales del country menos pautado (no hay que olvidar que fue uno de los creadores del outlaw country, movimiento originado al lado de Waylor Jennings para distinguirse de la esfera burocratizada del sonido de Nashville); pero la producción del texano va mucho más lejos de una identificación tan atomizadora y superficial. La sabiduría del compositor de He Was A Friend Of Mine (balada escrita e interpretada a medias con Bob Dylan, para la B.S.O. de Brokeback Mountain) se ha tintando con los eclécticos colores del góspel bautismal, el jazz de rodeo, el rock de gramola y el blues de cáctus; lo que le ha ofrecido al compatriota de Kenny Rogers un sinfín de palos orquestales a los que acogerse.

Temas como “Just Breathe” revelan la humanidad creativa del texano

Tales insinuaciones de talente espiritual se dejan traslucir en Heroes a través de las ácidas y esperanzadoras letras de Come On Back Jesus o The Scientist; exhibiendo el poder de convicción de un hombre comprometido, en todo momento, con las causas de los menos afortunados.

Nelson está acompañado para este álbum de 2012 de gente como Sheryl Crow y Snoop Dogg

Embarcado en una gira por Estados Unidos, Europa aún no se ha asomado a las citas que el sureño contempla de cara a un futuro próximo; aunque en los saraos del Viejo Continente hay suficientes pistoleros sin munición, deseosos de cargar los revólveres con las tralla aguardentosa de este antiguo amigo del legendario Johnny Cash (con quien formó la banda The Highwaymen, en la que también estaban Waylor Jennings y el actor Kris Kristofferson).

En espera de su contratación para actuar en Europa, el mítico responsable de “Always On My Mind” está embarcado en una gira por USA

Más información, fechas del tour y discos en http://www.willienelson.com

Crítica de cine: Los juegos del hambre

En la mayoría de las ocasiones, la calidad no suele ser directamente proporcional al gusto de las masas. Para comprobarlo, solamente hay que darse un garbeo por la lista de los programas más vistos de la televisión, o por muchos de los best sellers que alcanzan cifras astronómicas en números de ejemplares vendidos. Parte de esa realidad es la que se hace patente en esta película firmada por el poco prolífico director Gary Ross (bastante más conocido como guionista que en su faceta como realizador). Avalada por la saga literaria de obligada lectura entre los adolescentes más in (en similar sintonía a otras series de confección de diseño mercantilista, al estilo de Crepúsculo), la cinta elaborada por el responsable de Pleasantville y Seabiscuit es un producto preparado especialmente para reventar las taquillas del planeta, con independencia de su más que cuestionada originalidad o de su acabado cinematográfico.

El visionado previo de Los juegos del hambre posibilita que los espectadores más enterados no puedan evitar retrotraer su memoria hacia relatos mejor construidos, como el agobiante ecosistema descrito en La fuga de Logan (la novela de William F. Nolan, al igual que el homónimo largo de Michael Anderson, planteaba una situación muy similar a la de Collins, salvo que en la trama de setentera los ciudadanos eran sacrificados por sorteo al llegar a los 30 años) o hacia los páramos salvajemente isleños de la movie japonesa Battle Royale (masacre teen en clave reality, firmada en 2000 por Takeshi Kitano). Incluso, si el cliente echa su cadena de asociaciones temáticas más allá, es posible que encuentre en The Hunger Games algo de estética a lo El quinto elemento, y residuos de envoltorio de 1984. Todo esto le sirve a Ross para grabar una obra deudora de demasiados precedentes, a los que en ningún momento consigue emular o simplemente igualar.

Pero no sería justo dilapidar sin más un producto que ha sido del gusto de miles de personas a nivel planetario. Por eso, junto a sus deficiencias, sería necesario poner en la balanza sus pretendidas virtudes. Para empezar, el equipo de Los juegos del hambre logra posicionar la película por encima de otros ejemplos, englobados en la nueva hornada de cine adolescente con ansias de provocar la ingestión multitudinaria. En este sentido, el fresco de Collins alcanza una dignidad que no se encontraba por ejemplo en ninguna de las entregas de la seguida saga vampírica de Crepúsculo. Esto se traduce en unas interpretaciones por lo menos esforzadas, y un trabajo de orquestación artística de factura considerable.

Dentro de esos efectos benéficos se podría mencionar el acertado reparto, en el que destaca el protagonismo de Jennifer Lawrence (en la piel de la atlética Katniss Everdeen). Pese a estar exagerada en no pocas escenas de la primera parte, la chica de Winter’s Bone evita el naufragio conforme evoluciona el argumento, y lo materializa tras despertar el interés por los problemas campestres en los que se halla su personaje. Ella, Donald Sutherland y Wes Bentley son de lo más notable que acontece en pantalla; mientras que Stanley Tucci, Elizabeth Banks y Woody Harrelson individualizan los peores vicios mediante su indigesto histrionismo, sin generar verosimilitud en ninguno de sus diálogos. Lo mismo puede decirse de la fallida historia de amor entre Katniss y Peeta (Josh Hutcherson), en la que los supuestos integrantes de la pareja albergan unos sentimientos light y melifluos que, más que generar el dramatismo buscado, transmiten artificialidad e incomprensión.

Por lo demás, Los juegos del hambre es un largo medianamente eficaz, que entretiene sin guardarse nada en la mochila. Ante lo cual, el público que anhele pasar un rato agradable -viendo cómo unos chicos de entre 12 y 18 primaveras se emplean a fondo en una competición mortal por la supervivencia- disfrutará; aunque con algunas reservas en esta aseveración (Ross no logra encajar el mismo grado de actividad en todas las secuencias, lo que hace que el guion presente algunos flecos en los que el tiempo se ralentiza hasta límites insospechados).

Alighiero e Boetti, Arte Povera de calidad en el interior de la Tate Modern

Londres rinde tributo al maestro de los mapas emocionales/ Photo Credits: Alighiero Boetti, Joaquín Cortés y Román Lores

¿Francia posee más tonalidades grises que de revolucionario tricolor, como una vez confesó en estado de sinceridad militante François Mitterrand? ¿Es Inglaterra la extensión de verde uniformado, y regada con la luz fría de descomposición imperialista, a través de la que parecía percibirla -a golpe de tinta y papel- el admirado Charles Dickens? ¿Acaso, España tiene pegado a sus raíces un traje sangrante de rojo violento y amarrillo homicida? Probablemente, los sentidos pongan en muchas ocasiones rasgos y gestos a la geografía mundial, cual si fuera un globo terráqueo ajeno al azul generalista de los libros de texto. Una actitud de talente casi infantil que tomó cuerpo de metralla artística de la mano del irrepetible Alighiero Fabrizio Boetti (1940- 1994), mediante su excelente trabajo de poética trascendencia: labor visionaria y enérgica que la Tate Modern recupera hasta el próximo 27 de mayo, en la exposición Game Plan.

La exhibición estará abierta al público hasta el próximo 27 de mayo

Las noches en la institución londinense -cuando las luces se apagan y las llaves de los vigilantes chillan con ecos mortuorios- deben transformarse en jornadas de belicosa agonía; ya que, por una más que sorprendente casualidad, las salas del inmueble capitalino se nutren estos meses con dos posturas antagónicas y beligerantes con respecto al significado de la creación. Por un lado se encuentra la exhibición que la antigua central eléctrica dedica al multimillonario Damien Hirst: un señor que convierte en oro todo lo que toca con la varita de su ingenio comercial. Y,  en el extremo opuesto del ring, las piezas mendicantes de Boetti dialogan con tesis contrarias al triunfalismo, conjunto compacto y lúdico cuya filosofía denunció en los albores del hippismo el mercantilismo artístico de su época (protagonizado en esos años de efervescencia sesentera por el minimalismo norteamericano y el Pop Art, de Andy Warhol y compañía).

Esta es la primera retrospectiva que se le dedica al artista turinés en Reino Unido

Sorprende que la cita del turinés con el museo contemporáneo sea la primera de la historia en el feudo de Isabel II, una deuda con el maestro del Arte Povera que al fin ha saldado la urbe del Támesis con esta magna y completa muestra, en la que desmelena su aquelarre de normalidad la imaginería industrialista del italiano – asociada con la economía del sitio en el que fue alumbrado-; a la par que también lo hacen sus sellos de ciudadanía voluntaria y exigida, los bolígrafos transmisores de pulso humano y las portadas de revistas. Todos ellos ordenados en pose marcial, para dibujar el cosmos real y comprensible -manipulado por la plástica- donde convivieron día a día los millones de herederos de Garibaldi.

Boetti fue uno de los líderes del Arte Povera (término acuñado por el crítico alemán Germano Celant)

El universo de Boetti era eso: diversión y digresión hacia lo que consideraba la simplicidad, siempre entroncada con una especial representación de la naturaleza urbana. Así surgió la concepción del transalpino, de transformar los atlas con sus mapas de cromatismo emocional. Viajero incansable, la residencia prolongada del creador europeo en Kabul (Afganistán) le sirvió para diseñar en su mente lo que sería el mayor juego de su deslumbrante producción: unos dibujos de continentes y países definidos por las emulsiones que propagaban al exterior, en vez de por sus banderas. De esta manera, el vástago de un abogado turinés desplegó su caudal artesano para construir la Tierra a base de inspiraciones, y desarrollar con ellas una teoría geopolítica más basada en los sentimientos que en la razón.

El ceador italiano se inventó un nuevo atlas a través de las percepciones atesoradas en sus viajes

De 1971 a 1994, el compañero de Michelangelo Pistoletto y Giulio Paolini imprimió sus propias fronteras del pensamiento, dando idea de la carga desmitificadora con la que estaba impregnado su talento visual. Un camino de anocheceres soñolientos y pesadillas de Marco Polo- transmutado en faquir de las telas y los collages- que se acerca al coliseo multimedia metropolitano con el grueso de su obra; en la que no falta si quiera un singular Autorretrato en bronce, inédito en la escena británica hasta este 2012.

Las mátemáticas y el diseño fueron herramientas de sus juegos visuales

Bucear por los lienzos y esculturas de Alighiero e Boetti (la dualidad impostada desde lo individual fue una de sus señas de identidad, tanto en sus acciones públicas como en su firma) es tomar constancia de un tiempo en el que la rutina se convirtió en excepcional vehículo para alcanzar la inmortalidad. Travesía en la que es posible toparse con las neuronas insaciables de este genio, que horneó a constancia en su cocina cerebral las apreciaciones experimentales de Lucio Fontana, las variaciones profundas de Paul Klee y el paisajismo hiriente de Nicolas de Stäel.

Su muerte prematura a los cuarenta y cuarto años privó a los amantes del arte de más obras de este auténtico revolucionario de la plástica

Más información, precios y horarios en http://www.tate.org.uk